Cubisme : le mouvement artistique

Le style cubiste est un style artistique avant-gardiste du vingtième siècle, lancé par les artistes Georgess Braque et Pablo Picasso. Georges Braque et Pablo Picasso, en compagnie de plusieurs de plasticiens, entre 1907 et 1914, imaginent le cubisme, l’un des mouvements les des plus novateurs de l’histoire du monde de l’art moderne.

L’appellation cubisme se manifeste en 1908. Les tableaux de style cubiste tirent leur inspiration dans l’art africain par contre c’est le travail de l’artiste Paul Cézanne qui a incité les plasticiens à découvrir l’alternance de la peinture cubiste. Le style cubiste prend son inspiration aussi de l’art d’Afrique en plus une source d’idées sur le cubisme.

Réputées comme se trouvant être « le cubisme cézanien », les importantes peintures de l’artiste francophone Paul Cézanne ont marqué l’univers des arts à point. Le style cubiste cézanien groupe beaucoup d’importantes œuvres, caractérisé par des angles prononcés, des personnes étendues et une grande rusticité parfois remplie de chaos.

Le style cubiste analytique, la première grande période de la peinture cubiste se voulaient une réflexion du sujet sur le reproduire grâce à de formes géométriques bêtes.

De 1912 à 1914, la dernière phase de la peinture cubiste arrive. On parle d’une grande purification du style comparativement au cubisme analytique. Le style cubiste synthétique se soucie plutôt sur les illusions et des explorations artistiques différentes.

La phase orphique de la peinture cubiste (1914-1920) est plutôt mystérieuse. Avec ses analogies avec les légendes de la Grèce et les doctrines de Pythagore, ce mouvement est intéressé par le symbole et la pensée de la personne.

L’essentiel à connaitre sur l’artiste Charles Thomas « Chuck » Close

À travers ses peintures à échelle massive, l’artiste et professionnel de la photographie des États-Unis, Charles Thomas « Chuck » Close est devenu inoubliable en tant que créateur d’oeuvres hyperréalistes.

Alors qu’un écroulement déplorable de l’artère vertébrale en 1988 l’immobilisant de ses mouvements pour toujours, il a continué à peindre et à concevoir des tableaux recherchés par les musées d’art et les acheteurs de peintures contemporaines.

Choisissant tantôt les tons de gris, tantôt les tonalités, il bâtit ses images en appliquant un coup prudent après un autre, travaillant en se servant d’une photographie doter d’une grille.

Plus importantes que la taille réelle, ses œuvres sont excessivement en demande.

Classicisme, ces artistes d’un courant artistique postmédiéval

Le classicisme, dans le monde des arts, se réfère généralement à une période artistique après le Moyen âge qui a une haute vénération l’Antiquité classique, faisant de ce stade la norme de style à reproduire.

Avec des racines du grec antique, mais aussi romain, mais aussi qui trouve le ton sur la civilisation, la pensée de l’époque classique se formule dans la littérature, l’architecture, l’art, mais aussi la musique. Il est surtout formulé par le néo-classicisme du Siècle des lumières.

Artistes

Le francophone N. Poussin, né en 1594, est cet artiste peintre de caractère classique. Il produit diverses peintures pour les églises royales, mais aussi l’artiste obtient l’appellation de 1er artiste peintre de la cour du roi par le roi Louis xiii. Son activité se base particulièrement sur la clarté, la logique, mais aussi l’ordre, mais aussi avantage la ligne sur la couleur. Son activité est une différente option au caractère baroque, caractéristique au dans les années 1700. jusqu’au vingtième siècle, il était resté la source d’inspiration principale pour les artistes célèbres guidés vers le classicisme comme Jacques-Louis David, Paul Cézanne, mais aussi Jean-Auguste-Dominique Ingres.

Le théoricien de l’art, Charles Le Brun, est aussi un artiste peintre classique francophone célèbre. Au dans les années 1700, il était une figure dominante de l’art francophone, déclaré comme l’artiste francophone à jamais par le Roi-Soleil. Dès sa onzième année, l’artiste captive le chancelier Séguier, qui le place dans l’atelier de l’artiste peintre français Simon Vouet. Pour un laps de temps, il est aussi le disciple du peintre français François perrier. Il use d’une faculté qui mérite les éloges élevés de Poussin, l’artiste obtient des demandes du cardinal-duc de richelieu, mais aussi s’en va pour l’Italie au milieu du 17e siècle.

L’histoire du sculpteur hyperréaliste Ron Mueck

C’est en concevant des marionnettes pour la télé que l’artiste Ron Mueck, né à Melbourne, sur l’île d’Australie, entame sa carrière.

Paula Reggo, sa belle-mère, lui commande de créer des petits personnages pour l’une de ses créations. Très impressionnée par l’exécution de Mueck, elle le présente au fameux collectionneur Charles Saatchi.

C’est le commencement de la carrière de l’artiste Ron Mueck.

La sculpture, Dead Dad (père mort), réalisé en 1997, illustrant son paternel sur son lit de mort, est détaillée jusque dans les infimes particularités. C’est au début du 21iem siècle, avec garçon (boy), une sculpture immense d’un garçon en caleçon, qu’il fascine durant la biennale de la ville de Venise.

Le sculpteur australien invite l’observateur dans l’inimitié corporelle de la sculpture et s’efforce de briser les barrières entre œuvre et observateur, grâce à son désir de faire de parfaites sculptures de tous les angles. Avec un pied à l’intérieur du monde physique, et l’autre dans la bulle intime du sculpteur, les œuvres d’art de Mueck montrent, par leur haute définition biologique, figée à l’intérieur de la gomme et la peinture à l’huile, attestent un intérêt pour le coté macabre. Les proportions amplifiées de certaines anatomies occasionnent une certaine subversion chez l’observateur.

Il ne reste plus à ces oœuvres qu’à acquérir la parole et les gestes pour être vraies.

Parce qu’il ne laissant pratiquement pas un résidu de son exécution sur les œuvres d’art, l’artiste sculpteur apporte aux observateurs une incroyable chance de s’introduire dans la bulle des personnages.

Briève histoire de l’art abstrait

Pouvant vivre totalement individuellement des formes aux racines classiques, dut à ces colorations, ces formes, mais aussi ces contours créant un agencement, il était juste d’alléguer que l’univers de l’art abstrait est un langage qui a ses propres références qui a trait aux beaux-arts. L’art abstrait, mais aussi les arts non figuratifs est des termes légèrement proches. Ces termes sont semblables, mais peut-être pas de sens identique. L’abstraction totale ne porte plus pas une trace d’une référence à quel que ce soit d’identifiable. Dedans l’abstraction géométrique, par exemple, il était improbable de repérer des références à des entités naturalistes. Quasiment incompatible, l’abstraction totale, mais aussi l’univers de l’art figuratif, est très difficilement à mettre ensemble. Mais la figuration, mais aussi la représentation de façon artistique contient la plupart du temps une abstraction partielle. De multiples plasticiens fuirent leur pays européen en direction des USA, à l’intérieur des années 1930, lors de l’ascension des soldats allemands nazis aux commandes. Apportées par les artistes d’origine européenne, leurs riches influences culturelles, utilisées de façon profitable, mais aussi distillées par les peintres new-yorkais. Le climat de liberté qui régnait à New York City permit à un si grand nombre de ces influences de s’épanouir. Période de l’histoire de l’art apparu après la Deuxième Guerre mondiale, l’expressionnisme abstrait est devenu très célèbre. C’est le 1er courant artistique spécifiquement d’Amérique à exercer une emprise mondiale. Ce courant positionnait aussi la cité de New York City au milieu de l’univers de l’univers de l’art de l’occident, une place longtemps remplie par la cité de Paris.

Les artistes et la peinture abstraite

Pendant les années 40, le style radical de Pollock a changé le potentiel de tous les arts contemporains de l’histoire de l’art. Dedans une bonne mesure, Pollock a noté que le chemin en direction de la création d’un tableau était aussi important que la peinture en soi. Arshile Gorky, appelé à la naissance Vosdanig Manoug Atoian, autour de l’année 1904, dans le village de Khorgom qui se trouve sur les rives de la mer de Bznunik, est décédé en juillet 48. Dedans les années 40, lorsque Arshile Gorki à dévoilé ses dernières oeuvres à l’artiste André Breton, mais aussi plus singulièrement Le foie est la tête du coq, Breton a dit de la peinture de l’artiste peintre comme étant l’une des oeuvres les plus majeures réalisées en Amérique. Il est né à Wissembourg en Bavière, le célèbre artiste abstrait Hans Hofmann est décédé le 17 février 1966. C’était un artiste peintre d’Amérique de racine allemande extrêmement actif dans le courant expressionniste abstrait.

Le Pop art, ce mouvement artistique qui a marqué l’histoire

Le pop art est un mouvement artistique incontestable qui a changé l’histoire de l’art. Originaire d’une contraction de « Popular Art » dite par l’artiste John McHale en 54, le mouvement artistique pop art, même s’il a littéralement explosé aux USA, est pourtant né de l’autre côté de l’atlantique.

Le pop art est à l’origine d’une communauté d’artistes qui s’appelle « Independant Group (Groupe indépendant) », en 1952. La communauté est composée des artistes peintres britanniques Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi, des architectes Alison et Peter Smithson et du critique d’art Lawrence Halloway. Les artistes importants du mouvement pop art de la Grande-Bretagne sont Paolozzi et Hamilton. Ils ont une représentation notamment clair de la société de consommation. Plusieurs artistes viendront ensuite nourrir le courant pop art britannique comme David Hockney ou Peter Blake.

Bien qu’originaire d’artistes britanniques, le mouvement pop art a réellement pris de l’ampleur en Amérique. Ce courant, en rupture avec l’art abstrait, se prend à la société de consommation. La période pop art est apparu aux US à la fin des années cinquante et a vu son summum dans les années soixante, principalement dans la ville de New York. Parmi les artistes les plus connus du pop art, on reconnaît certainement la tête d’affiche principale : Andy Warhol. Roy Lichtenstein est aussi un artiste qui représente le le mouvement pop art. Il exécute des peintures des éléments de consommation en employant les codes de la pub, avec un brin d’humour.

Même si le mouvement artistique pop art vois le jour d’abord en Europe dans les années 50 par les oeuvres d’art de Richard Hamilton et d’Eduardo Paolozzi pour ensuite pris de l’ampleur aux US, la France n’est pas restée en arrière non plus. Le mouvement du nouveau réalisme est proche au pop art et, comme celui-ci, se passionnée de la réalité quotidienne et de la pub en élaborant des installations et des collages pour défier l’art abstrait. Le mouvement du nouveau réalisme est une communauté d’artistes qui se rassemble sous l’idée du peintre Yves Klein et du critique d’art Pierre Restany. Le clan s’inspire d’items de consommation de la vie ordinaire et les utilise comme équipement pour en faire des icônes, pour les voir sous un autre angle. Les éléments utilisés sont des composants beaucoup moins recherchés que lors des mouvements passés. Ils se servent du ciment, de la tôle d’autres éléments brutes.

Les artistes célèbres du mouvement Pop art

Le peintre et graphiste anglais Richard Hamilton est né le 24 fév. 1922 et décédé le 13/09/2011. Célèbre artiste introducteur du pop art britannique et même considéré comme le père de ce mouvement, il a réprimé les médias de masse comme ont pu le faire ses confrères américains. C’est d’abord avec l’art abstrait que l’artiste Richard Hamilton se trouva des affinités. Il se dirigea finalement vers un style beaucoup plus figuratif vers les années cinquante, ce qui concordera avec la période où il fera la rencontre plusieurs artistes et où il fera la découverte avec fascination les oeuvres de Marcel Duchamp. C’est en 1956 que le Britannique Richard Hamilton devint membre de l’ « Independant Group (Groupe indépendant) ». Dans son travail, Richard Hamilton dénonce les méthodes de la publicité et la société de consommation de masse où l’on emploie des objets pour jeter aux poubelles immédiatement. Le Britannique est aujourd’hui considéré, et à juste titre, comme l’un des principaux acteurs du pop art, tout comme l’américain Andy Warhol.

Universellement célèbre, Andy Warhol était un artiste du Pop Art américain. Icône précurseur du mouvement pop art, Andy Wahrol a chambardé l’histoire de l’art et influencé les artistes encore aujourd’hui. Il avait amorcé sa carrière comme dessinateur en publicité dans la ville de New York. Il débutera réellement ses séries d’oeuvres qui le propulserais à être universellement notoire en concevant des impressions sérigraphiques avec d’items de grande consommation pour sujet capital de ses oeuvres d’art. La réussite fut rapidement au rendez-vous. Andy Wahrol ne fut pas qu’un publicitaire. Andy Wahrol, jusqu’au dernier jour, a eu une vision unique sur la société de consommation et perpétue, par ses oeuvres d’art de références, à inspirer les nouveaux artistes.

L’américain Roy Lichtenstein est certainement l’un des peintres les plus mémorables du mouvement artistique pop art. Toujours aujourd’hui, l’artiste Roy Lichtenstein est la personne la plus célèbre de cette période grâce à ses séries d’oeuvres originales et exceptionnelles. Lichtenstein débuta à peindre en soixante et un, temps où il pond l’une de ses oeuvres les plus célèbres. Pour une majeure partie de ses oeuvres, l’artiste Roy Lichtenstein s’inspira fortement de la BD, cela lui transmetta un style unique et un avantage notoire. De nos jours, les critiques d’art considèrent qu’il existe plus de 4500 toiles de Roy Lichtenstein en circulation à travers la planète.

Histoire du premier aérographe

Aux États-Unis, la fabrication de la peinture à l’aérographe est nommée aussi airbrush. Le premier pistolet vaporisateur à peinture fut certifié en 1876. Le premier instrument qui fut appelé airbrush est développé par monsieur A. Peeler pour utilisé avec la l’aquarelle et d’autres fins créatives. Il fait l’utilisation d’un compresseur à commande manuelle. C’était un outil plus ou moins de base, fabriqué avec l’aide de morceaux de rechange dans le studio d’un vendeur de bijoux, comme des petits tournevis et d’anciens d’outils de soudure.

L’utilisation d’un aérographe peut varier selon la surface enduite de peinture et le résultat que vous recherchez. L’utilisateur doit être certain d’avoir la juste pression de l’air ainsi que le bon pistolet vaporisateur à peinture. La peinture peut potentiellement être appliquée sur différente zone de travail, comme du textile, des métaux ou du carton. Avec un levier de déclenchement équipé d’une aiguille extrêmement petite qui active le jet au degré que vous recherchez, l’artiste supervise la dose de couleur vaporisée. Cet orifice supervise le dosage de couleur à vaporiser sur la surface. Trois modèles aux traits différents rassemblent tous les genres de pistolets à peintures. Certains genres de pistolets à peintures sont plus adaptés aux nécessités de l’artiste, selon son expérience et ses moyens financiers. Le principal attribut est la manoeuvre effectuée par l’artiste pour lancer la sortie de la peinture. La seconde est le mécanisme pour approvisionner la peinture dans l’aérographe et la 3e est le point à partir duquel la peinture et l’air fusionnent.

L’application de couleur à l’aérographe est extrêmement répandue dans la manipulation photographique, mais d’autre part dans la fabrication de publicité et dans l’illustration d’ouvrages. L’aérographe a été utilisé pour altérer la photographie, un certain temps avant l’arrivée du micro-ordinateur.

L’application de couleur à l’aérographe pour bien étendre des produits de maquillage est populaire lors de la création de film. La peinture à l’aérographe pulvérise le maquillage sur le corps, alors que la technique traditionnelle privilégie l’application avec un pinceau.

Au commencement du vingtième siècle, novateur de la peinture à l’aérographe, le peintre d’Amérique Wilson Henry Irvine est l’un des artistes clé du courant impressionnisme d’Amérique. L’anglais d’Amérique Wilson Henry Irvine est un peintre qui peint des paysages. Surtout connu pour sa maîtrise de la texturisation et du clair-obscur. Frederick William Lawrence amorce comme peintre automobile avant de penser à du dessin à l’aérographe. Reconnu comme le géniteur de la peinture réaliste à l’aérographe.

Curieuse histoire du mouvement dadaïstes

Devant l’illogisme des boucheries de la guerre, un groupe d’artistes phares, à Zurich (suisse), prit la décision d’élaborer un Nouveau Monde. Les artistes prirent la décision de renoncer à la situation, mais aussi d’excéder l’ensemble des limites de l’art. Le dada, ou dadaïsme, était un mouvement intello, mais aussi des arts, apparus pour la première fois à Zurich (suisse) en 1916. Plusieurs protagonistes de l’univers des arts contemporains de l’époque donnent vie au mouvement, lors d’un événement du mois de février, au célèbre cabaret Voltaire de Zurich.

En Europe comme en Amérique, de nouveaux artistes tels que Hugo Ball, Marcel Duchamp, Tristan Tzara, mais aussi Marcel Janco réorganisent l’univers des arts en effectuant au fil de leurs œuvres une véritable recherche de l’affranchissement, de la simplicité, mais aussi du rire. La mission des dadaïstes était de rebondir face aux atrocités de la Première Guerre mondiale internationale. Avec différents jeux de langage, les artistes Dada, encore adolescents pendant la guerre, désirent procurer une connotation joyeuse à tous les mots, de recommencer au moyen du langage, mais aussi la rationalité de l’univers, instaurer une vision, mais aussi de nouvelles valeurs, plus ressemblant de leurs utopies.

Le dadaïsme naît à Zurich (suisse), il connaît à Paris une effervescence unique. Tandis que Tristan Tzara pose les pieds à Paris, il fait la connaissance trois nouveaux créateurs, André Breton, Louis Aragon, mais aussi Philippe Soupault, qui aimé son livre sur le Dada, mais aussi qui adhère à ses idées. Bien rapidement après sa naissance, le mouvement dada s’étend sur toute l’Europe, outrepassant même les frontières du continent pour partir s’installer en Amérique, mais aussi chez les Japonais. Dedans la visée d’enseigner la pensée Dada dans les rues de la grande pomme, dans les années 10, Marcel Duchamp, mais aussi Francis Picabia y débarquent. Malgré des initiales œuvres qui déclenchent des grandes vagues à l’intérieur des bonnes habitudes en Amérique, le mouvement décroche facilement une bonne popularité.

Artistes pop art

Ma petite liste des 3 artistes pop art connu à apprécier à tout prix.

Histoire de le monde de l’art gothique

C’est en France romane, dans l’époque médiévale, en plein centre du 12e siècle que le monde des arts gothique s’est développé comme mouvement.

Commandé par le déroulement en simultanée de l’architecture gothique, le monde des arts gothique se déploie à l’ensemble de l’Europe occidentale, mais conquiert surtout le monde des arts dans le nord des Alpes. L’art gothique ne raye jamais vraiment les styles plus classiques en Italie. Le caractère compliqué du gothique international continue son évolution et se développe pouvant aller à la fin du quinzième siècle. Au cours cette phase, les artistes et les oeuvres portables comme les manuscrits enluminés se déplacent enormemenent en parcourant le continent, produisant une esthétique commune au sein de la royauté et de la forte noblesse, et réduisant considérablement la variation de styles nationaux dans les oeuvres crée pour les élites du royaume.

L’art sacré, ou art religieux est un style de dessin artistique, comportant des motifs de genre religieuse la plupart du temps destinés à hisser la pensée vers le monde spirituel. les traditions religieuses de l’artiste et les sujets pratiques et opérationnels du cheminement de la réalisation spirituelle qui entrainent des pratiques de rite et de culte dans le monde des arts sacrés

Avant de s’avérer être fusionné par le monde des arts de la Renaissance, le monde des arts gothique tardif continu jusqu’au seizième siècle dans une multitude d’endroits, en particulier en Allemagne. À l’époque gothique, la sculpture, la peinture sur bois, les vitraux, les fresques et les manuscrits enluminés sont les techniques élémentaires utilisés par les artistes.

La peinture et la sculpture gothique

50 ans après le fondement de l’architecture et la sculpture gothique, soit environ l’année 1200, la peinture gothique telle que connue font sa venue. La transition du monde des arts roman au gothique est prodigieusement imprécise et les détails ornementaux gothiques émergent avant qu’un bouleversement notoire ne soit noté à l’intérieur du caractère des figures ou des compositions elles-mêmes.

C’est sur un mur de l’abbaye de Saint-Denis, en Île-de-France, que les sculptures gothiques sont nées, en plein centre du 12e siècle. Encore en période romane, vers la fin du 12e siècle, la sculpture gothique change du style dur et allongé vers un caractère plus naturaliste. Les influences des vielles sculptures grecques et romaines sont mélangés à l’intérieur du de la draperie, l’expression faciale et la position.